Christophe Gaillard

Arnulf Rainer | "Pierre Molinier Übermalung" | 12 juin - 31 juillet 2010

Christophe — Fri, 11 Jun 2010 14:00:00 +0200

La galerie Christophe Gaillard présente du 12 juin au 31 juillet 2010, la nouvelle exposition d’Arnulf RAINER : Pierre Molinier Übermalung.

Ce travail, en exclusivité à la galerie, est né d’une conversation entre l’artiste et Christophe Gaillard à l’issue de la première exposition que la galerie lui avait consacrée, il y a deux ans. Arnulf Rainer effectue ici à la fois un travail de photographe, en prenant soin de recadrer les œuvres de Pierre Molinier, de les flouter, de les recomposer, d’en modifier les couleurs, les perspectives, les accents. Puis, selon sa technique habituelle, les photos sont d’abord sur-dessinées puis griffées, lacérées, rayées.

Rainer rend ici un hommage brillant à Molinier comme il a déjà su si bien le faire avec Michaux, Goya ou Van Gogh. Serait-ce l’obsession commune aux deux artistes de re-sculpter, re-dessiner leurs propres corps et leurs propres visages, cet « autoportrait impossible » comme pôle majeur du travail de chacun des deux artistes, qui fait de cette série un ensemble à la fois abouti, vif et mordant ? C’est l’hypothèse première de Jean-Jacques Lebel, qui a longuement préparé un entretien avec Arnulf Rainer, et qui s’interroge sur le lien entre les ratures, biffures, lacérations de son contemporain et les attaques violentes de certains intégristes de toutes époques.

www.galerie-gaillard.com

Laurent Jaffrennou | Tectus | du 11 mai au 10 juin 2010

Christophe — Mon, 10 May 2010 18:44:00 +0200

La galerie Christophe Gaillard présente du 11 mai au 12 juin 2010, une exposition des œuvres récentes de Laurent Jaffrennou, Tectus*.

Né en banlieue parisienne en 1972, cet artiste discret vit et travaille à Aubervilliers. Ses œuvres sont des assemblages complexes de différents papiers, le dessin s'agrémentant bien souvent de teinture, ponçage, collage, couture, superposition et pliage. Basé sur des formes simples comme le triangle des Ruches, le carré originel des boites de Pandore ou encore l'hémisphère des Serdab, l'assemblage hétéroclite obtenu symbolise la complexité des êtres, tandis que la fragilité des édifices élaborés évoque la difficile construction de soi. Sculpteur dans l’âme, Laurent Jaffrennou crée des superpositions de strates, utilise des pliages pour augmenter encore l’épaisseur de ses structures : « le pliage permet la création d’espace, la captation d’ombres et de lumières, ombre projetée, colorée, couleur d’ombre. »

Comme le souligne Jean-François Jaudon dans le texte qu’il lui consacre, « les œuvres présentent une physionomie paisible, sans violence aucune, tendant vers une monochromie blanche, comme des solitudes dressées au milieu d’un silence polaire. Mais si nous regardons l’intérieur de l’homme, ce qui le compose, nous trouvons des strates superposées, une accumulation d’expériences, pas toujours bien imbriquées, et dont l’ajustement précaire constitue un être. Tout l’être semble faire un effort pour rester simplement debout. » Les calques qu'utilise souvent Laurent Jaffrennou dans ses compositions sont comme un voile auto-protecteur qui accentue la non-immédiateté de l'œuvre.

tectus (latin) : caché, voilé, couvert.

Carole Fékété | Cycle d'entretiens de la Société Française de Photographie

Christophe — Tue, 04 May 2010 18:25:00 +0200

Dans le cadre des Entretiens publics de la Société Française de la Photographie,

vous êtes cordialement invités à la prochaine rencontre le :

mercredi 5 mai 2010,

de 18h30 à 20h30, entrée gratuite, sans réservation.

à l'Université Paris I, Centre Michelet, 3 rue Michelet, 75006 Paris. (Amphithéâtre)

Carole Fékété sera invitée par Larisa Dryansky

Carole FEKETE, ¿Qué tal?, exposition du 1er avril au 8 mai

Christophe — Thu, 01 Apr 2010 15:39:00 +0200

A l’occasion de la sortie du livre Ce qui reste, avec un texte de Philippe-Alain Michaud, la galerie Christophe Gaillard présente, du 1er avril au 8 mai 2010, une sélection de travaux récents de Carole Fékété, réalisés en Espagne lors de son séjour à la Casa Velasquez : ¿Qué tal?

Française née à Alger en 1970, d’une famille aux racines diverses, elle aborde à travers ses images l’idée d’origine et de transmission. Elle a reçu en 2000 le prix de la fondation HSBC pour la photographie, récompensant trois séries qui témoignent de l’attention qu’elle porte à ce qui est mineur. Son œuvre a d’ailleurs ces dernières années continué d’élaborer une vision reposant sur le temps et la minutie de l’observation.

C’est cette rigueur qu’accompagne un solide sens de la composition qui restitue la présence à la fois familière et énigmatique des Corps dans la ville, titre de l’édition 2006 du Septembre de la photographie durant laquelle la BF15 a exposé Le Singe et Les Statues. Et c’est la capacité de ce travail d’extraire du monde une singularité essentielle que Jean-Michel Ribettes, Michel Poivert et Agnès de Gouvion-St-Cyr ont déjà souligné dans leurs écrits : les photographies de Carole Fékété font apparaître la charge culturelle et anthropologique de leurs sujets. Ces derniers ne sont d’ailleurs pas moins questionnés que l’acte photographique lui-même : sans doute n’est-ce pas le moindre Pouvoir de la photographie, comme manifesté par l’exposition à laquelle elle a participé l’année dernière à Séoul.

De ses deux années passées en résidence à Madrid à la Casa Velázquez, Carole Fékété rapporte trois séries photographiques : Les Reliques, Les Pierres tombales, et Les Portes. Ce séjour aura été marqué par différents aspects de la culture espagnole : la tradition festive, les rituels et les cérémonies toujours très vivaces dans tout le pays. La représentation de la mort, la survivance des processions, et le culte des reliques véhiculent des formes et des codes qui, par-delà le folklore religieux, sont chargés d'une histoire et d'une culture à travers lesquelles l'artiste continue de poursuivre ses recherches.

Comme le souligne Philippe-Alain Michaud dans le texte qu’il lui consacre « dans le pêle-mêle anatomique des Boîtes reliquaires, cette suite de portraits dévastés sans cohérence organique, la photographie reconnaît la description de ses propres pouvoirs, qui sont aussi ceux de la relique, pouvoir de convertir les corps en choses et dans les choses que sont devenues ces corps, d’activer des effets de comparution. » La comparution pourrait être immédiate avec la présentation à la galerie d’une dizaine de boîtes reliquaires, tirées à l’échelle réelle et dont le cadre est celui de la boîte elle-même.

Joëlle Léandre, "Au fur..." - Performance du vendredi 12 février à la Galerie Christophe Gaillard

Christophe — Thu, 25 Feb 2010 17:03:00 +0100

La Galerie Christophe Gaillard a présenté le vendredi 12 février une performance de la contrebassiste Joëlle Léandre intitulée "Au fur...", dans une installation sur cinq murs de Guillaume Lebelle.

Esprit, es-tu là ?

Christophe — Thu, 18 Feb 2010 18:01:00 +0100

La Galerie Christophe Gaillard présente du 16 février au 27 mars 2010 son nouvel accrochage autour du thème "Esprit es-tu là ?" L'art tout a été tout le long du XXème siècle en prise avec l'esprit ou les esprits. Avec l'essor de la psychanalyse, naissent dès la fin du XIXème, les premières tentatives d'artistes spirites (proche de l'art brut). L'ordre et la mesure commencent alors à céder du terrain face aux dérèglements de l’esprit qui mettent à jour, un foisonnement, une liberté jamais vues à ce jour.

Plus tard, les travaux plus contemporains d'artistes travaillant sous l'emprise de produits hallucinogènes (Henri Michaux et la Mescaline, les artistes de la Beat Génération) prolongeront cette tentation d'interroger un au-delà. Mais l'esprit ne saurait être réduit à sa seule dimension inconsciente. Une partie de l'art moderne et contemporain s'est attachée à travailler la question de la représentation ou celle de son corollaire, l’aura, l’esprit… Donner à penser comment l'art continue de témoigner d'un au-delà du visage et demeure la voie profane d'une nécessité irrépressible d'élévation. Prenant ainsi comme point de départ, l’œuvre de Rainer et la notion d’effacement propre à son travail (Portrait de Liliencron), l’exposition Esprit es-tu là? sera l’occasion de voir une vidéo de Charles Sandison (Yes /No), une toile fantomatique (Paroles) de Pierre Dmitrienko, un rare tirage d’époque de Pierre Molinier (Le chaman), une mèche de cheveux de Boltanski ou bien encore un paysage déserté de Jean Dubuffet (Matériologie). Nous présenterons aussi en exclusivité pour Artparis la plus grande sculpture de Chiharu Shiota réalisée à ce jour, une monumentale robe blanche voilée dans un cocon arachnéen de fils noirs.

Artistes exposés: Boltanski, Bournigault, Brassaï, Chaissac, Delprat, Dmitrienko, Dubuffet, Fékété, Hazelzet, Michaux, Molinier, Rainer, Sandison, Shiota, Tal Coat.

Guillaume Lebelle : Myriade et Focus

Christophe — Wed, 02 Dec 2009 14:40:00 +0100

La galerie Christophe Gaillard est fière d’accueillir l’exposition Myriade et Focus de Guillaume Lebelle, du 12 janvier au 6 février 2010.

        De toute, 2008, 189 x 165 cm, Gouache sur toile

Bien qu’éloigné des cimaises parisiennes depuis sa dernière exposition à la Galerie Jean Fournier en 2004, le travail de Guillaume Lebelle était de ceux présentés au musée Fabre (Montpellier) lors de l’hommage à Jean Fournier en 2007.

Cette situation de repli a permis à Guillaume Lebelle -ces cinq années durant- d’explorer plus librement sans doute, différentes directions sous un mode expérimental. Deux voies distinctes se sont imposées alors. D’une part de grands formats, sur une toile laissée brute et, de l’autre, des formats plus petits, plus contractés, saturés, réunissant sur une petite surface, sans doute autant de gestes que sur une œuvre plus grande.

   Sans titre, 2009,133 x 152 cm, Gouache et huile sur toile

« Myriade est la merveille, un chemin, une transition qui se renouvelle sans cesse: son mode d'apparition est le continuum, l'amplification, la résonance. Focus : un point d’arrêt, un agrandissement, une prise de conscience: il agit en pleine connaissance de pause. Myriade et Focus jouent à ne jamais se répéter, ils s'ajustent l'un l'autre et créent ainsi la configuration du tableau. Pense à l’instabilité des représentations et au léger contrôle que l’on garde malgré tout sur elles dans le demi sommeil, dans cette dorme-veille qui donne des perceptions ultra-fines : le mouvement est incessant – un personnage peut devenir un lieu et réciproquement – et pourtant tu peux opérer des arrêts, tu conserves une maîtrise sur le flux. A chaque instant, tu lâches les rênes, tu les récupères, tu les laisses aller de nouveau. Fin de la hiérarchie des genres, début des métamorphoses accompagnées. »

Guillaume Lebelle et Rémi Labrusse Novembre 2009.

Fernand Desmoulin (1853 - 1914) : Leçons des ténèbres

Christophe — Wed, 18 Nov 2009 11:27:00 +0100

La galerie Christophe Gaillard et la galerie Christian Berst sont particulièrement ﬁères d’accueillir l’exposition Leçons des ténèbres de Fernand Desmoulin, du 3 décembre 2009 au 9 janvier 2010.

Des progrès très grands, 1900-1902, crayon de couleur sur papier, rectoverso, 38 x 52 cm

Cette exposition inédite présente de très rares dessins médiumniques de Fernand Desmoulin réalisés pendant sa période spirite, de 1900 à 1902. La ﬁèvre du spiritisme qui embrasait l’époque offrit à cet artiste complexe, asphyxié par son activité de peintre et de graveur académique qu’il n’eut jamais la force de quitter, un soufﬂe libérateur, porteur d’une œuvre médiumnique exceptionnelle, magnétique, fulgurante par instants, à laquelle André Breton lui-même aurait voulu rendre hommage par une publication que seule sa mort empêcha.

Surgissement de silhouettes vaporeuses, psychisme ﬁévreux jeté sur la feuille en écriture nerveuse, lignes sinueuses et biffures inspirées, trame quasi arachnéen¬ne, oscilloscope mental électriquement retranscrit sur papier, l’oeuvre de Fernand Desmoulin frappe par son incroyable richesse, par l’intrusion géniale de ce dernier dans ce que Henri Michaux nomme « l’espace du dedans », celui des voix intérieures, témoin virtuel d’une psyché lourde de conﬂit qui ﬁt de lui le plus novateur et le plus singulier des artistes spirites..

Sans titre, 1900-1902, mine de plomb sur papier, 45 x 29 cm

Son œuvre retrace le long cheminement mental d’un homme pénétrant de plus en plus profondément dans les méandres de son inconscient. Les différentes étapes de ce parcours initiatique se dévoilent au fur et à mesure des dessins alors que les formes évanescentes, pâles visages fantomatiques et volatils, esprits furtifs émergeant douloureusement d’une chrysalide frémissante, se muent en forme alvéolaire dévoilant quelque tête à peine ébauchée. Puis les formes disparaissent, laissant place à une écriture labyrinthique, sismographique, passerelle involontaire vers un surmoi torturé, ultime marque d’une plongée vers l’inconnu frôlant dangereusement le point de non retour. Fugaces, les créations médiumniques de Fernand Desmoulin annonçaient, à l’aube du XXe siècle, les révolutions et explorations formelles les plus audacieuses.

Politique de l'Obscène/Obscénité du Politique, reportages de Jean-Jacques LEBEL

Christophe — Fri, 25 Sep 2009 17:30:00 +0200

La galerie présentera, du 3 novembre au 2 décembre 2009, l’exposition: Politique de l'Obscène/Obscénité du Politique, reportages de Jean-Jacques LEBEL.

Depuis 1955, Jean-Jacques LEBEL expose, écrit, filme, édite, coordonne, et s’engage dans des processus collectifs. Auteur, à Venise, de L'enterrement de la Chose, considéré comme le premier happening européen, organisateur de manifestations, d’expositions ou de festivals internationaux, poète, théoricien, activiste politique, toutes les formes de sa trajectoire «d’agitateur inspiré» constituent des éléments inséparables de son travail de plasticien. Cet automne sera particulièrement prolifique en évènements, puisqu’à la sortie de diverses parutions s’ajouteront une grande exposition à la Maison Rouge, une autre à la galerie 1900-2000 et enfin le festival Polyphonix au 104.

La galerie Christophe Gaillard quant à elle présentera un ensemble de dessins, peintures et collage sur photographies, réalisés des années 60 à nos jours. Si l’image du corps de la femme, prélevée dans une iconographie publicitaire et/ ou pornographique y est souvent présente, c’est pour mieux dénoncer le glissement de l’obscène : du privé vers le politique.

« L’obscénité viendrait plutôt de l’utilisation marchande dans la pub d’un certain porno soft dont on est abreuvé à longueur d’année. Mais je pense que la notion d’obscénité, c’est à dire d’irregardable, d’irrecevable, se trouve désormais beaucoup plus dans la politique que dans la littérature, le cinéma ou le théâtre. Dans l’ignoble baiser sur la bouche entre Brejnev et Honecker, par exemple, qui étaient dans l’illustration sanglante de la notion de pornographie. Sans dérision, sans ironie, sans recul. Ou encore Bush qui prétend parler au nom de Dieu, comme son alter ego Ben Laden. » Jean-Jacques Lebel, L’Humanité, Novembre 2001

Pierre Dmitrienko : L'assassinat du Biafrais

Christophe — Fri, 25 Sep 2009 11:53:00 +0200

La Galerie accueille l’exposition l’assassinat du Biafrais de Pierre Dmitrienko, du 8 au 31 octobre 2009.

Pierre Dmitrienko a quarante-cinq ans quand il entreprend cette série de tableaux sur le Biafra. Son entreprise tranche avec l’abstraction défendue jusqu’à la fin des années 50. Œuvres chocs, ces dix toiles et les cinq gravures qui les accompagnent, réalisées sur ce thème des Biafrais, n’ont jamais été présentées ensemble jusqu’à ce jour. Or, Dmitrienko, témoin de la permanence de la barbarie dans nos sociétés contemporaines, a précisément conçu cet ensemble pour lutter contre l’oubli. Et qui mieux qu’un peintre a conscience de la fragilité de la mémoire.

Assassinat du Biafrais, 1970

Le détonateur de cette série est la diffusion au journal télévisé de l’exécution d’un prisonnier biafrais. Aux côtés du déchainement médiatique qui se met alors en place autour de cette guerre du Biafra, c’est à la naissance à la fois d’une prise de conscience politique (le droit d’ingérence) mais aussi des mouvements humanitaires que nous assistons. Ce thème s’inscrit parfaitement dans le volet le plus politique et à fortiori humaniste de l’œuvre de cet artiste-citoyen, témoin sensible dans des séries telles les Fusillés, les Présence … L'œuvre de Dmitrienko dont on peut dire que "l’image y est justement à la racine même de l’humanisation des sujets" renvoie à un discours ontologique de l'être, dont l’exposition sera à même d'éclairer les mécanismes.

Assassinat du Biafrais, huile sur toile, 1970, 160 x 200 cm

Thibault Hazelzet « Narcisse et Danaé »

Christophe — Fri, 22 May 2009 14:54:00 +0200

La galerie accueille l’exposition de Thibault Hazelzet, Narcisse et Danaé du 2 juin au 27 juin 2009. Cet artiste de 34 ans, qui vit et travaille à Paris, présentera pour la première fois une douzaine de compositions photographiques reflet du travail de ces trois dernières années.

Thibault Hazelzet effectue autant un travail de peintre (sa première activité) qu’un travail de photographe au sens habituel du terme, en cherchant à composer une image, manuellement, artisanalement, dans l’atelier et dans la chambre noire de l’appareil photo. La photographie n’est alors plus considérée comme simple outil de captation du réel, mais comme outil de création, par un système de caches et de calques qu’il peint au sein même de la chambre. Le travail se fait donc en plusieurs temps : dans l’atelier, dans l’appareil photographique, puis dans le laboratoire afin d’obtenir un tirage définitif et unique de chaque image.

Ces compositions imaginaires sont élaborées en référence à des mythes fondateurs, comme par exemple, Danaé, évoquée par la pluie d’or qui la féconde, ou encore Narcisse dont les interventions peintes font écho aux Nymphéas tandis que de grandes fenêtres noires obtenues à partir de caches, deviennent miroirs du spectateur.

Catalogue d'exposition

Narcisse, 2008, acquisition du Fond National d'Art Contemporain, session avril 2009

Installation de Chiharu Shiota

Christophe — Thu, 02 Apr 2009 18:40:00 +0200

Cette artiste japonaise de 36 ans expose pour la première fois à Paris en solo. Pour Unconscious Anxiety, Chiharu Shiota réalise une installation en exclusivité pour la galerie : une robe suspendue à l’intérieur d’un cocon arachnéen fait de fils de laine noirs qui l’isolent en perturbant les repères spatiotemporels. A ce vestige d’une vie humaine placé dans un écrin de fils ténébreux, répondent, sous le titre générique à forte tonalité philosophique State of being (existence), plusieurs boites qui sont autant d’installations miniatures emprisonnant des objets divers, faisant parfois référence à l’enfance. La galerie propose également un aperçu de son œuvre graphique avec une dizaine de dessins.

Le fond d’estampes de la Galerie Christophe Gaillard

Christophe — Sat, 28 Feb 2009 19:11:00 +0100

La Galerie Christophe Gaillard dispose d’un très grand fond d’estampes toutes époques, techniques et provenances confondues. La plupart provient des meilleurs ateliers parisiens de la première et seconde école de Paris, et nombreuses sont les œuvres qui portent le timbre sec « Michel Cassé ». Une gravure d’Alberto Giacometti représentant un homme assis dans un fauteuil, côtoie les lithographies aux tons très vifs des Nouveaux Réalistes, l’univers onirique de Bellmer, ou encore l’imagerie édulcorée en rose ou bleu de Monory. Parmi ces estampes, on trouve de très belles pièces dans un état de conservation exceptionnel souvent référencées, comme c’est le cas pour les lithographies, eau fortes et aquatintes de Soulages qui sont reproduites dans le catalogue Soulages l’œuvre imprimé édité à la BNF. Sur le papier, la brillance du noir loin de décevoir, exalte la couleur à laquelle il est associé, ainsi l’ocre, le bleu, le brou de noix, surgissent de ses profondeurs. A dominante noire toujours mais cette fois chez Marfaing, la petitesse du format contraste avec la densité du sujet, le nombre de lignes, de traits, de signes comme des empruntes de gestes d’orfèvrerie qui apparaissent en surface lisse ou épaisse et font surgir le blanc du dessous. L’économie des couleurs se retrouve chez Bettencourt dont les gravures, figuratives, explorent sur de très grands formats des graphismes totémiques. L’ampleur de la feuille de papier se retrouve dans les portraits de Dmitrienko, où les aplats de couleurs choisies avec parcimonie (rouge bleu, blanc noir et chair) ceints par des lignes épurées poussent le sujet, des victimes, dans le paroxysme de leur privation d’expression et de liberté. La simplicité des figures géométriques aux couleurs vives de Tal Coat qui sont suspendues avec élégance sur la surface blanche, contraste avec les éclatantes surfaces rouge ou bleues d’un Olivier Debré.

2009 à la galerie Christophe Gaillard : Les arts graphiques dans tous leurs états

Christophe — Sat, 14 Feb 2009 18:56:00 +0100

L’année 2009 s’annonce riche en parcours d’univers artistiques. Après les photos extrêmement colorées de Bénédicte Hébert, place en mars à l’économie des couleurs de Chiharu Shiota, qui trace dans l’espace d’épaisses et denses lignes noires autour d’objets aux couleurs pâlies. Elle confère ainsi à ses vestiges emprisonnés une sacralité inquiétante ; et c’est avec une sorte de fascination-répulsion que nous appréhendons ses étranges installations. Dans ses dessins cependant, des fils rouges vifs écorchent le papier et y laissent leur cicatrice en relief sur des silhouettes, esquissées à l’aquarelle, qui paraissent parfois lointaines. Lui succède au mois de mai Nasser Assar, dont les œuvres de la décennie 1970 avaient créé un véritable engouement auprès de la société critique, intellectuelle et artistique de l’époque dont le poète Yves Bonnefoy: ses grands paysages nuagistes (le peintre est fasciné par Caspar Friedrich) nous invitent à une rêverie plus ou moins tourmentée. Les huiles verticales roses explorent quant à elles le geste à travers la calligraphie extrême-orientale. L’accrochage de juin est dévolu à un jeune artiste contemporain, Thibault Hazelzet, plasticien et photographe, qui, derrière des titres à tonalité mythologique ou biblique, joue sur les superpositions pour aboutir à des compositions rigoureuses, pluridimensionnelles. En octobre, Les huiles sur toile et œuvres sur papier de Pierre Dmitrienko rassemblées dans la série des Biaffrais sont une vive dénonciation de l’horreur : le peintre, à travers des graphismes épurés et une palette contrastée entre le noir, le blanc et le gris, nous secoue et nous lance au visage celui, baillonné, des victimes. Le mois de novembre fait la part belle à la photographie interlope: Les montages de Pierre Molinier dans des alcoves en noir et blanc nous convient à un bal fétichiste de jambes ornées de jarretelles, bustes corsetés et têtes de poupées angéliques quand il ne se met pas en scène dans une pose suggestive et dominatrice. L’année s’achèvera sur les dessins médiumniques -où le papier n’est parfois qu’à peine effleuré- de Fernand Desmoulin, graveur officiel de la seconde moitié du XIXe siècle, qui, acquit au spiritisme, réalisa pendant deux ans des portraits aux courbes évanescentes, mystiques, des lignes d’écritures penchées vers le haut de la feuille comme aspirées vers une instance supérieure. Diversité des supports et des techniques donc, mais aussi des époques et de l’origine géographique des artistes : en 2009, la Galerie Christophe Gaillard vous réserve des découvertes et des redécouvertes éclectiques.

Arrêt sur image: une oeuvre exposée

Christophe — Tue, 03 Feb 2009 18:08:00 +0100

Samedi dernier, jour du vernissage de l’exposition « Ca me regarde » de Bénédicte Hébert, la galerie n’a pas désemplie de 18h à 21h30. Nombreuses impressions enthousiastes, aussi bien chez les critiques que chez les visiteurs, ont été recueillies. Le Moulin de la Galette est l’une des œuvres qui a marqué ce soir-là. Son format et sa mise en valeur accrochent le visiteur à travers les baies vitrées jusque dans la rue, lui jetant au visage son kaléidoscope de couleurs et ses vibrations chromatiques. Ainsi l’œil hésite, prend du temps pour faire sa mise au point, et distingue, parfois seulement dans un second temps, ce corps de spectateur happé par l’œuvre qui semblait jusqu’alors lui appartenir comme un véritable trompe l’œil. Car la photographe a plaqué son sujet, spectateur du musée, contre la peinture qu’il regarde, matérialisant la relation fusionnelle susceptible de s’opérer dans cet acte de regard, ou encore la tension qui s’instaure entre l’homme et l’art. Ici la confusion est d’autant plus grande que les couleurs du manteau de notre visiteur pourraient figurer sur la palette de Renoir, les imprimés de son vêtement, des roses anglaises sur un fond parme, pourraient se retrouver sur la nappe du banquet ou placées de manière irrégulière, résultat d’un geste spontané, dans un vase à la simplicité champêtre. Cette adéquation parfaite nous fait prendre conscience que nous avons sous nos yeux un moment rare, incroyable, de rencontre entre un homme inspiré et sa source d’inspiration. C’est là l’un des face à face que Bénédicte Hébert collectionne et saisit pour nous. Lorsque l’artiste, interrogée, confirme que le spectateur du Bal du Moulin de la Galette est Japonais, qu'il n'a rien regardé avant de s'arrêter devant cette toile du musée d'Orsay où il est resté un quart d'heure à contempler, nous comprenons que cette image agit comme l’illustration d’un amour plus général entre un mouvement pictural et la sensibilité d’un public : qui ignore la passion japonaise pour l’impressionnisme, sans parler des accointances, déjà à l’époque, entre l’impressionnisme et le japonisme… ?

La photo est disponible dans deux formats différents : 122 x 178 cm : 4 500 € 76 x 100 cm : 1 800 €

Elle est également disponible en tirage de tête signé et numéroté de 1 à 15 avec le catalogue : 180 €

Les autres tirages de tête vendus avec le catalogue sont les suivantes:

Nouvel accrochage

Christophe — Fri, 30 Jan 2009 16:19:00 +0100

Depuis mardi, les murs de la galerie se sont séparés des fabuleux graphismes photographiques aux noirs et blancs tranchés, incisifs, de Giacomelli. On nous invite désormais à une promenade à travers différentes époques picturales. Abondance de couleurs ! Les toges rubis du Calvaire du Christ de l’aile Denon ricochent avec celui du pull noué autour de la taille d’un homme songeur devant une toile de Cy Twombly, qui, a son tour, fait vibrer la robe vermillon de Marie dans la Sainte Famille de Rubens… non loin de là, les carrés pleins ou percés du Boogie Woogie de Mondrian rappelés par l’arc de cercle d’un audioguide suspendu à la nuque d’un visiteur saisi dans sa contemplation, incitent l’œil à poursuivre son parcours, sans répit, jusqu’au rouge « lie de vin » des voiles du Vénus et Cupidon de Lorenzo Lotto. De même les roses, issus des formes anguleuses des Demoiselles d’Avignon, de la robe de la Christina (Christina’s world) d’Andrew Wyeth observée par une jeune fille au vêtement du même ton, ou simplement de la carnation de tous ces crânes chauves, cous pâles, oreilles charnues des spectateurs tournés vers autant de mondes, se renvoient le regard du visiteur. Le Moulin de la Galette et son buste au manteau fleuri provoquent la sensation dynamique que l’on ressent face à ce nouvel accrochage traversé de nombreux vibrato : l’œil est happé, sollicité ici, séduit là, invité à construire sa propre narration. Depuis mardi, la galerie s’est aussi peuplée. Car devant chaque toile de maitre identifiable un homme de dos ou de profil s’intercale entre nous et l’œuvre photographiée. Robuste, chétif, chevelu ou dégarni, mais aussi orné, paré, par exemple, d’improbables bretelles jaunes devenues lignes, de lanières ou de rubans qui accompagnent des vêtements aux graphismes variés, ces corps sont l’expression de la force agissante de l’art et de son influence en tant que source nourricière d’inspiration. Tous semblent converger dans le même sens : à savoir nous rappeler subtilement la pure et simple nécessité de la peinture.

Bénédicte Hébert: deux expositions, un catalogue

Christophe — Thu, 22 Jan 2009 17:19:00 +0100

Le catalogue édité en parallèle de l’exposition Bénédicte Hébert ne se réduit pas à un simple recueil des photos que l’on pourra venir admirer, à partir du 27 janvier 2009, à la galerie Christophe Gaillard ou au Centre d’Art Contemporain de Caen (depuis le 17 janvier). C’est un véritable livre. En regard des cinquante œuvres de l’artiste reproduites en pleine page, le texte de Benoit Casas invite le lecteur à saisir toute la teneur d’un travail intimiste. Benoit Casas joue le jeu de Bénédicte Hébert en nous conviant à la lecture – contemplation sur une apostrophe « ça vous regarde », mais nous y introduit progressivement avec poésie en déroulant son récit de strophe en strophe comme sur des pas japonais. L’incipit plante le décor et nous invite d’emblée à considérer le musée comme un lieu de vie, d’aventures, d’événements « il s’y passe de drôles de choses ». Nous pénétrons ensuite dans les salles et les couloirs sur un effet de travelling avant, avant de découvrir l’action : « un spectateur s’arrête ». L’artiste en mission, autre anonyme du musée cachée derrière ses initiales, procède alors à la « saisie de face-à-face ». La sensualité du travail de Bénédicte Hébert est développée tout au long de l’expérience littéraire de l’œuvre, l’auteur parle d’ailleurs « d’effeuillage des regards » quand il décrit le procédé de mise en abîme, ou encore de « corps à corps », il n’hésite pas non plus à en franchir les limites en invoquant le « peep show ». On découvre que Benoit Casas n’est pas avare non plus de prose discursive si nécessaire (le langage métaphorique utilisé lui donne néanmoins la légèreté de l’humour sans porter atteinte à la crédibilité du discours) lorsqu’il nous explique pourquoi la démarche de Bénédicte Hébert n’est pas « photographier dans un champ des vaches qui s’arrêtent pour regarder passer un train ». Il s’agit de tout autre chose, et de révéler, entre autres, que l’art exerce une force active, visible, atemporelle. En fin de catalogue, le texte du critique Yann Ricordel situe Bénédicte Hébert dans une histoire de l’art plus générale et souligne l’originalité de sa démarche. En repérant une confrontation entre deux medium dans la même image, il définit le travail de Bénédicte Hébert comme un « acte de regard ». Cette dynamique est rendue par l’effet de plaquage du spectateur sur la peinture ainsi que le surcadrage qui fait que le tableau déborde le cadre photographique : le regard est concentré sur le détail, et c’est bien cela qui permet à la photographie de Bénédicte Hébert de dégager autant de sensualité.

Le catalogue d'exposition est en vente à la Galerie Christophe Gaillard

Galerie Christophe Gaillard

"Ca me regarde" par bénédicte Hébert du 27 janvier au 28 février 2009

Christophe — Wed, 14 Jan 2009 17:48:00 +0100

La Galerie Christophe Gaillard est heureuse de présenter la nouvelle exposition de Bénédicte Hébert parallèlement à celle que lui consacre du 16 janvier au 27 mars 2009, le Centre d’Art Contemporain de la ville de Caen : Would you go in if you knew you might not come out? La fameuse phrase de Duchamp « C’est le regardeur qui fait le tableau » bien qu’ici détournée, s’applique parfaitement aux œuvres de Bénédicte Hébert. Le regardeur, au sens propre, est non seulement pris dans l’objectif, mais il occupe une position centrale dans la composition. L’artiste fait d’ailleurs sa mise au point tour à tour sur le tableau ou sur le visiteur. Le titre de l’exposition nous invite explicitement à un jeu de regards entre celui du spectateur que l’on devine en suspension sur les œuvres, et celui que nous jetons sur ce tandem spectateur-œuvre. L’artiste nous interpelle et nous convie à un face à face avec notre héritage pictural. Faisant écho au On n'y voit rien de Daniel Arasse qui s'intéresse, sur un ton libre et plein d'humour, au cheminement de notre pensée devant la toile, cette série peut apparaître comme un hymne à l'œuvre regardée. C’est par un procédé de mise en abîme que Bénédicte Hébert nous invite à redécouvrir la peinture des Maitres. Son œuvre a systématiquement pour sujet un tableau sans cadre, avec lequel dialogue un visiteur devenu protagoniste de la photo et de l’œuvre elle-même. Ici, la coiffure d’un homme répond à la queue d’un cheval appartenant à une scène de chasse, là, les motifs d’un pull rappellent le graphisme d’une toile de Lichtenstein. Nous sommes alors témoins d’une relation d’intimité qui s’instaure entre le tableau et son contemplateur. D’étranges points communs semblent nous dire qu’a lieu sous nos yeux une rencontre, une communion, ou même un moment passionnel. Les limites de l’œuvre sont volontairement brouillées comme dans les Noces de Cana qui comptent de nouveaux invités, ce qui instaure une symbiose entre le sujet peint et son environnement immédiat. Ainsi la vie autonome du tableau à travers les âges nous parvient-elle et se présente à nous dans sa plus saisissante contemporanéité.

Le catalogue d'exposition est déjà disponible à la Galerie.

Galerie Christophe Gaillard

Mario Giacomelli jusqu'au samedi 24 janvier à la Galerie Christophe Gaillard

Christophe — Tue, 06 Jan 2009 18:26:00 +0100

Mario Giacomelli nait en 1925 et meurt en 2000 à Senigallia en Italie. A la mort de son père, à l’âge de treize ans, il se met à travailler dans une imprimerie : Les caractères typographiques qui ressortent de la page blanche marqueront à jamais son œuvre. Il commence alors à peindre, et, en 1952, achète son premier appareil photo qu’il bricole et avec lequel il ne cessera de pousser à l’extrême les limites du contraste. Mario Giacomelli s'intéresse aux hommes comme en attestent ses scènes de séminaristes qui jouent dans la neige, d'où se dégage une incroyable légèreté. Ses prises de vue qui tour à tour embrassent une foule d’impotents extatiques à Lourdes ou immortalise leur digne avancée vers le miracle dévoilent sans pudeur les faces les plus tourmentées de la condition humaine. Tout au long de son activité de photographe, Mario Giacomelli façonne des paysages aux lignes contrariées qui tendent vers l’abstraction. C'est ce travail, injustement méconnu semble-t-il, qu'a choisi de privilégier la Galerie Christophe Gaillard. Ces vues aux compositions rigoureuses sont bien plus que de simples exercices de style et se chargent de la même émotion que les sinistres photos de Lourdes et de l'asile de vieillards: la terre en gros plan est ici tellement creusée qu'elle en est scarifiée, là, les sillons qui la parcourent sont des stigmates aux trajectoires irrégulières, presque torturées. La violence des hommes ne se dirige pas seulement contre eux-mêmes: "La terre, nous avons abusé d'elle, nous l'avons violée, pillée, et, lentement, elle meurt elle aussi"disait l'artiste. Le survol des champs de Giacomelli nous laisse méditer, dans la plus pure élégance, sur le couple mythologique de l'homme et de la terre sur laquelle il ne cesse de mettre son empreinte.

Galerie Christophe Gaillard

Supports/surfaces

Christophe — Wed, 01 Oct 2008 12:49:00 +0200

La galerie présente un ensemble d'oeuvres historiques de Supports/surfaces à partir du 9 octobre 2008, parmi lesquelles : Louis Cane, Daniel Dezeuze, Noël Dolla, Vivien Isnard, Christiona Jaccard, Jean-Michel Meurice, Bernard Pages, Jean-Pierre Pincemin, Claude Viallat...

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